MEGAMENTE

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Cartas a Julieta

“Cartas a Julieta” utiliza todas las fórmulas de las comedias románticas pero se enciende gracias a las sutilezas histriónicas de la inglesa Vanessa Redgrave y su recorrido por la Toscana.

Debo reconocer que no soy muy fan de las comedias románticas, encuentro que siempre utilizan una estructura caracterizada por la aparición de los príncipes azules, enredos, situaciones cómicas, buena música y un final feliz que garantiza risas y suspiros de las féminas presentes. “Cartas a Julieta”, no es la excepción pero hay algunos puntos que la hacen rescatable del montón. Uno de ellos es la participación de la ascendente Amanda Seyfried, la rubia de enormes ojos verdes protagonista de “Mamma mía” y “Querido John”. Es la heroína de esta historia rodada en la región de Toscana dando vida a Sophie, una inquieta investigadora del diario New Yorker que va a Verona en una especie de luna de miel con su novio encarnado por Gael García Bernal que esta próximo a abrir su restaurant. Dicho asunto llena a su novio de muchas preocupaciones extras y el viaje es un pretexto para buscar proveedores para su futuro negocio dejando con mucho tiempo libre a Sophie.
En uno de esos recorridos la investigadora conoce el balcón y la estatua donde se recuerda Julieta de William Shakespeare, allí muchas mujeres despechadas le cuentan sus secretos de amor a Julieta dejando una carta que es contestada por un grupo de mujeres que dan vida al mito. Sophie se une a estas escritoras al encontrar una misiva perdida que data hace cinco décadas y fue escrita por una tal Claire que tuvo un romance en Italia. Al poco tiempo recibe la visita de una longeva mujer (Vanesa Redgrave) que acude a su llamado y comienzan con un nieto un recorrido por toda la Toscana en busca de Lorenzo con su antiguo amor no concretado. Ahí en adelante la cinta es una verdadera “road movie”, cargada de magia en busca de saldar las cuentas con el destino.
El film es una verdadera guía para el turismo en la famosa Toscana italiana, con registros de muy buen nivel. Tal vez el guión en un inicio un poco flojo y previsible, pero cuando aparece la respetada actriz inglesa Vanesa Redgrave, la pantalla simplemente se ilumina. De ahí en adelante la gente comienza a emocionarse y sonreir en este tragicómico recorrido donde se entrevistan con varios Lorenzos. Por su parte Gael Garcia Bernal, que encarna al trabajólico novio de Sophie, esta muy mal aprovechado en comparación con sus excelentes trabajos en “Amores perros”, “Y tu mamá también” o “Diarios de motocicleta”, que forman parte de la filmografía esencial de este mexicano.
Varios temas musicales “oreja” que gustan a los enamorados y un tono festivo y colorido son la tónica muy de manual de comedias románticas que utiliza su director para no despegarse tanto del formato de este género que tiene muchas seguidoras.
Capitulo aparte merece la región de Toscana en el cine, una de las mayores y más importantes regiones ubicadas en el centro de Italia. Es un lugar privilegiado para ser utilizado como escenario fílmico donde se han rodado cintas como “Bajo el sol de Toscana”, la laureada “La vida es bella” de Roberto Benigni, “Gladiador” y “Hanníbal”, ambas de Ridley Scott ; la ganadora del Oscar “El Paciente inglés”.

Adiós amigo verde

El querido ogro Shrek se despide con una angustia de mediana edad pero sin dejar de lado su tono festivo y aventurero que le guarda un sitial de respeto en la animación de la última década"

Hace casi una década Shrek del estudio Dreamworks, donde es accionista Steven Spielberg, asombró al mundo con una arriesgada y novedosa apuesta animada en la cual se mofa sin descaro de los cuentos infantiles tradicionales, ridiculizándolos al máximo con parodias y gags que hacen reír de buena gana a grandes y chicos. El otro hito de esta cinta de animación digital, es que fue en la primera en ganar el Oscar de la categoría animada y, ha sido una franquicia ahora en su cuarta cinta la que ha recaudado la no despreciable suma de millones de dólares en las salas y merchandising. Ahora Shrek en su cuarta entrega final y, después de casarse y tener hijos, se despide de la forma que lo vio nacer, con mucha festividad y gags pero no se puede dejar de lado el acento lleno de angustia de mediana edad que asoma en el ogro y con una entrega de muchos aprendizajes relacionados con respetar tu entorno familiar. Esta vez el ogro esta domesticado y comienza a tener serios problemas con lo cotidiano, como mudar a sus bebes, no poder dormir hasta tarde y arreglar el resumideros. Comienza a tener la sensación de perdida de sus libertades e incluso se convierte en una atracción turística para los habitantes de la ciudad como un ser que alguna vez fue temible. Ello comienza desgastarle, entonces decide abruptamente que necesita un espacio propio como antaño pero como nada resulta como se planea. Aparece en su camino el malvado Rumpelstiltskin que le ofrece un trato se ser el Shrek temible de antaño y libre solo canjeando un día de su infancia. Obviamente todo es un engaño y el ogro aparece en un mundo alternativo donde sus amigos no lo conocen, ni tiene a su familia y, deberá luchar por conseguirlos o perderlos para siempre. Burro acá es un animal de carga y el gato con botas es un obeso y domesticado felino.
La animación es sensacional a pesar de no haberla visto en 3 D, asimismo el tono humorístico que nunca falla en esta saga que permanece intacta en su afán de agradar a los padres acompañantes. Se nota el desgaste, que es evidente después de cuatro entregas, pero son tantas las aventuras, las peleas y los chistes que disimulan súper bien dichas falencias. Siguen las referencias a la cultura pop, parodias que de seguro fueron captadas por los realizadores que decidieron a buena hora guardar al viejo Shrek y dejarlo como un hito en la animación. Recomendable panorama familiar sobre todo ahora en las vacaciones de invierno donde el público ya promete asistir en masa a las salas que se visten de gala para recibir a los niños. Por David Lizana

TOY STORY 3: PURA MAGIA

“Toy Story 3” es pura magia que emociona y entretiene de sobra con esta historia secreta de los juguetes que se convierte en uno de los mejores estrenos de este año.


Todo un clásico de la animación que nació de Pixar a mediados de los noventas se consolida en esta nueva entrega que rompe todos los moldes acerca que las segundas o terceras partes nunca son buenas. Esta nueva cinta revitaliza la saga cumpliendo ampliamente sus dos objetivos propuestos. Por un lado, para los niños les otorga un sentido de respeto hacia los juguetes que adquieren con esfuerzo sus padres, reforzando los lazos de amistad y tolerancia, y por otro, rescata en los adultos a ese niño extraviado en una adultez a veces somnolienta y voraz que no permite disfrutar de las pequeñas o simples cosas que alguna vez amamos.

Ello lo denota una sala de cine equilibrada entre niños y adultos, indicando que después de 15 años de la primera entrega, Toy Story se colocó en colectivo gracias a la irrupción del DVD en la década pasada y ahora viene a cerrar un ciclo con esta franquicia con mucho éxito, la cual es sin duda es una de las mejores películas del presente año.

Pixar lo esta haciendo de nuevo, una película por año basta para sorprender, “Ratatoille”, “Cars”, “Wall-e” o “Buscando a Nemo”, y el año pasado “UP” ganando el Oscar, son prueba de ello. No son películas dedicadas únicamente al nicho infantil, encantan a todo el mundo, con historias universales de buena estructura narrativa y visual que garantizan entretención familiar que han hecho que esta compañía haya recaudado desde su nacimiento más de cinco mil millones de dólares con sus films.

En esta nueva aventura Woody, el vaquero; el galáctico Buzz y sus amigos, deben enfrentar la más grande de las incertidumbres, su dueño creció y se va a la universidad, ¿se irán al ático?, ¿a la basura? o ¿serán donados?. Bajo esa disyuntiva se desata la más loca carrera por sobrevivir pero debido a una confusión llegan a una guardería infantil con inquietos niños y donde hay un grupo de juguetes dominantes que oprimen a los otros. Estos entrañables personajes son como hijos adoptivos temen perder su empleo de llevar alegría a los niños y ser devueltos.

Por ritmo se asemeja es una verdadera montaña rusa de emociones, con mucho humor que no decae en ningún momento y con mucha empatía para amplio espectro de público que adora este tipo de cintas. En ello tiene mucho que ver el contar con el guionista Michael Arndt (que ganó un Oscar por el guión Pequeña Miss Sunshine), que seguramente tuvo que repensar viejos juguetes y la búsqueda de insospechados rasgos humanos identificatorios para el espectador. Este niño Andy, que se retrata en las tres cintas, nunca se le ve utilizando videojuegos o pasa pegado a la TV. Su templo es solamente su imaginación y el complemento con sus juguetes donde arma épicas batallas en su mente cargadas de un simbolismo y mensaje hacia los padres para que se inclinen hacia volver a las raíces creativas para sus niños.
Al menos en lo particular debo reconocer que por más de una hora estuve lleno de evocaciones de la simplicidad de antaño, crear y ser cobijado por tu familia cuando pequeño, y ante eso la magia de la cinta cumple de sobra.

EL PRINCIPE DE PERSIA

Acción, aventura garantizada y variadas coreografías ofrece “El príncipe de Persia” que es una adaptación al cine de un conocido videojuego.

Que tiene de parecido las cintas “Cuatro bodas y un funeral”, “Donnie Brasco”, con “El Principe de Persia”, solo su director, si porque el británico Mike Newell cambia su habitual registro donde brinda mucha preponderancia a sus guiones y la actuación, para pasar de lleno a una cinta teñida de violentas y numerosas peleas cuerpo a cuerpo y a punta de espada en imperiopersa donde los que mas abunda es arena.
En 1987 nació el videojuego creado por Jordan Mechner donde se bada esta película. En el cine este tipo de traspasos no son nuevos, basta recordar la inocua “Super Mario Bros”, La sagaz “Tomb Raider” con una bella Angelina Jolie y “Street fighters” con el tieso de Jean Claude Van Damme, con resultados bastantes dispares.
Ahora bajo el alero de la Disney y con el aval de tener detrás al productor de la trilogía “Piratas del caribe” Jerry Bruckheimer, que sabe lo que al público le gusta, esta cinta se plantea sin ruborizarse como una cadena de sucesos donde sus personajes son puestos a prueba en cada fotograma, tal como en un videojuego donde debe ir pasado numerosas etapas para quedarse con el botín. Tormentas de arenas, despiadados espadachines, locas avestruces y serpientes son solo algunos de los desafíos por sortear, solo falto la puntuación en pantalla.
En relación a la trama, que es bastante sucinta, esta gira en tono a un príncipe adoptado por un rey que es asesinado años mas tarde en una oscura conspiración para arrebatarle su reinado y posteriormente tratara de culparlo d ela muerte de sus padre adoptivo. Pero Dastan (Jake Gyllenhaal) se escapa con la princesa Tamina (Arterton) de una ciudad ocupada y una daga que tiene la habilidad de rebobinar el tiempo y que es la salvación de la civilización que cayendo a manos turbias puede cambiar el curso de la historia por siempre.
Quizás en relación a otras parientes de género como “La momia” o “Furia de titanes”, esta cinta es un poco más evolucionada en sus producción de decorados y equilibrios en actores, aunque es pura fantasía en movimiento, fórmula que sigue dando réditos, especialmente a la hora de trabajar aventuras transversales y familiares que auguran taquilla.
El protagonista tiene un aire a Rodolfo Valentino con sus ojos delineados, la habilidad y el humor de Indiana Jones y los saltos de Jackie Chan, que se bate a duelo una y otra vez agasajando a quienes gustas de este tipo de cintas de matiné que entretienen bastante ya que no da tiempo ni siquiera para detenerse en la trama más profunda.
Jake Gyllenhaal si que es un actor inclasificable con su rol como héroe de acción y aventuras. Anteriormente destaca en trabajos sumamente meritorios como el vaquero gay en “Secretos de la montaña”, el extraño jóven en “Donnie Darko” o el periodista en la gran cinta “Zodiac” de David Fincher.

VAMPIROS DE DIA

Una apuesta arriesgada pero con varios destellos de genialidad y originalidad tiene este film. En este mundo solo el 5% es humano, el resto chupasangres de cuello y corbata con fuerte presencia de corporaciones con dudosas intenciones.

Los vampiros siempre han sido desde los inicios del cine mudo una debilidad para realizadores y fuente inagotable de historias fantásticas mezcladas con sangre, conspiraciones y amores imposibles. Sin ir más lejos, Drácula por ejemplo, es el personaje con más adaptaciones en el séptimo arte, imagínense más que el propio Jesús. Cuando me apreste a ver esta cinta, ya había visto la “puber” Crepúsculo, “Aprendiz de vampiro” y solo “Déjame entrar”, la cinta sueca, me había cautivado con una historia madura frente al tema. Para sorpresa algo ocurre en la apertura inicial. Esta versión lo cambio todo. Oxigena el género, para graficarlo mejor aquí los humanos son minoría y son cazados por toda una sociedad vampira controlada por dosis legales de sangre servidas en cafés y comidas. Viven y trabajan de noche, tienen automóviles especialmente adaptados para conducir de día con cámaras en el techo y vidrios oscuros. Es un mundo al revés el que presenta esta cinta. Su tono sombrío como era de esperar se ve reforzado por potente actuación de Ethan Hawke, que se le conoce por cintas como “Día de entrenamiento” y “Antes del amanecer”. Sus directores son los hermanos Michael y Peter Spierig, tienen algunos destellos de brillantez mezclar la ciencia ficción y el tema de los vampiros. Corre el 2019 solo el cinco por ciento de los seres humanos quedan después de una plaga ha transformado a todos en una especie de vampiros de todas las razas, clases y profesiones. Se parecen a nosotros, fuman, se relacionan pero duermen de día y aborrecen la luz. Los humanos restantes son seres en escasez que proveen la sangre altamente codiciado y por lo tanto son cazados y llevados a verdaderos mataderos para extraerles hasta la ultima gota de sangre. Los humanos se acaban por lo tanto los científicos de colmillos afilados como Edward (Ethan Hawke) deben buscar un líquido sustituto rápido pero dan con otro descubrimiento proveniente de una pareja de humanos que lo tientan a otra solución. Será buscado por arriesgar toda la sociedad y andará con los humanos para tratar de cambiar la versión de sustituto de la sangre a una cura al vampirismo, una apuesta más que compleja. La cinta tiene bastantes suspenso y acción. Las ballestas son las únicas armas a las cuales temen los vampiros, el juego con las luces y sombras son verdaderamente geniales y a pesar de que por momento logra un tono medio infantil de batallas, mordidas y humor acido, convence en su propuesta que se erige como una nueva saga pero que es más seria y ambiciosa que Crepúsculo. Acá no se busca la taquilla fácil, hay algo de sustancia en sus postulados de una humanidad en extinción y las corporaciones que abusan de los individuos. El film merece alabanzas principalmente por el hecho que se siga con temas acerca de chupasangres, con buenos aportes, al menos por momentos acá con brillantes y originalidad. Esta cinta gustará principalmente a los fans de las sagas The Matrix y Blade. Completan el reparto Sam Neill, Isabel Lucas y el gran Willem Dafoe.

Más que elemental

Vigorosa, reinventada y gustadora es la nueva versión del personaje creado por sir Arthur Conan Doyle, que cuenta con una dupla de actores con gran química. Un trabajo más que elemental

Si había aprensiones de que Guy Ritchie se hiciera cargo de la nueva versión de Sherlock Holmes, están quedan disipadas al ver esta sagaz versión del detective londinense que esta más vigoroso que nunca, agregándoles altas dosis de acción bien coreografiadas pero sin quitarle nunca el halo de misterio y tono sesudo que caracteriza al personajes y a su enrarecido entorno que la hace un imán mas que atractivo para la platea. En ello tiene que ver mucho el gran talento de Robert Dowley jr y Jude Law, una gran dupla cómplice que se roba la pantalla. Holmes ha ganado su reputación encontrar la verdad en el centro de los misterios más complejos. Siempre con la ayuda del Dr. John Watson, inigualables en su búsqueda de criminales de todo tipo, ya sea apoyándose en su poder singular de observación, sus notables habilidades deductivas, o la fuerza contundente de su puños que son más potentes. Pero ahora una tormenta está cobrando más de Londres, una amenaza diferente a todo lo que Holmes ha hecho nunca frente, temas sobrenaturales que podría tener una explicación más que lógica debido a sus razonamiento superlativo. Que duda cabe que el reputado Joel Silver, el director Guy Ritchie y los guionistas Michael Robert Johnson, Anthony Peckham y Simon Kinberg, dotan la película de un carácter mas internacional y moderna que brinda mas que respetados resultados a la hora de los balances, si ya huele a saga. Downey y la Law tienen una química que le brinda el soporte principal al film, en tanto que Ritchie sigue con su flash de costumbre agregando el gran truco de tener Holmes piense la lucha antes de que suceda, es muy inteligente recurso. Los ojos penetrantes de Dowley, la lengua rápida y combustibilidad nervioso no dan crédito a un hombre que es capaz de ver, prever y comprender las cosas que otros. En fin, la cinta es una ráfaga incesante de principio a fin, puesto a que ha sido diseñada para que cada cuadro contenga muchos estímulos visuales, y excelentemente bien apoyada por la banda sonora creada por Hans Zimmer(Gladiador) entrega un trabajo que ayuda sobremanera a lograr los equilibrios cuando se tratan de secuencias de acción, diálogos simplemente, sirviendo de acoplamiento perfecto al desarrollo de las vertiginosas y excelentemente editadas del equipo de Ritchie. Buen panorama para el que le gustas las aventuras de acción y que tiene algo de argumento sesudo que agrada aun más.

Nueve

"Fascinante y vertiginoso relato post apocalíptico animado que fue producida por Tim Burton "

Desde el inicio esta realización animada tiene entrega mucha intriga e imágenes post apocalípticas que no me acorde en ningún momento que se trataba de una cinta de animación. El halo de misterio y las pocas pistas la hacen que sea un relato que atrape a pesar de lo escueta de su presentación. Esta es la apuesta del director Shane Acker, que ya había realizado un corto de 10 minutos con este tema, ahora cuenta con dos productores de lujo, Tim Burton y el ruso Timur Bekmambetov (Wanted). Se embarcan para entregar una ligera cinta pero que sorprendente en por su aspecto visual, carente de colores vistosos, deslavada y con un retrato de campos de batalla que se asemejan a los de la primera guerra mundial, llena de alambradas, cañones y trincheras presentes por todas partes. La historia situada en un ambiente parecido al de Wall- e, en los últimos días de la humanidad. En ella un científico dedicado vida a nueve de sus creaciones. El mundo se ha convertido en un paisaje dominado por máquinas y piezas de repuesto (algo parecido a Terminador en el futuro). Numero 9 tiene una cremallera desde la cintura hasta el cuello, despierta en medio de la nada, solamente sale al exterior y ve el desolado paraje, no tiene voz y no sabe cual es su propósito. En el riesgoso camino va conociendo a sus hermanos desde el 1 en adelante que son todos luchadores desde sus respetivas características con las cuales fueron creados. A través de edificios bombardeados evadiendo de aves rapaces y arañas enemigos y disputas entre sí, tratan de reconstruir su propia historia que los llevará hasta el cerebro de toda la destrucción para luchar contra el. Un relato épico que nos va entregando de a poco las pistas de la hecatombe pero que se conecta bien con el espectador que necesita armársete complejo puzzle. La cinta animada esta llena de acción intensa debido a los villanos son aterradoras con una oscuridad puesta a prueba que puede no encantar a los más pequeñitos pero no dejará indiferentes a sus padres. A pesar de que utiliza las últimas técnicas computarizadas, su estética , las figuras hechas a mano con desechos mecánicos, estos tienen mucha alma denotando que sus creadores no se fijaron solo en lo artificiosos de la historia dotándolos de una humanidad que incluso no poseen algunos personajes mas reales en la ciencia ficción. La película en su versión en inglés cuenta con las estupendas voces aportadas por Christopher Plummer, Martin Landau, John C. Reilly Jennifer Connelly y Elijah Wood.

El sustituto de Bruce Willis

“Identidad sustituta” es un film adaptado de la novela gráfica de Robert Venditti y Brett Weldele situada en el 2017 donde la gente vive sus vidas por control remoto desde la seguridad de sus casas a través de robots sustitutos.
Esta no es solo una historia policial de ciencia-ficción, hábilmente escrita y bellamente ilustrada, Es, sobre todo, un sagaz comentario sobre la cultura del consumo. Ahora en un film mezcla entre tecnología, drama policial y denuncia social de Venditti. La historia esta situada en medio de la temática de la vida artificial en sumo extremo. Aplicar principios biológicos a sistemas computacionales para la resolución de problemas es el negocio que retrata el film. Pero no profundiza en problemas éticos aunque los tiene implícitos en mensajes subliminales acerca de tener un sustituto o replicante que nos podría permitir arriesgarnos más, vivir con mayor intensidad pero desde la comodidad del hogar, controlando a mi otro yo mas atlético y bello desde los dispositivos del hogar. Algo totalmente opuesto a como hoy concebimos la vida, el envejecimiento y lo efímeros que somos. La apertura de la cinta hace mención a lo rápido de la evolución tecnológica y como la inteligencia artificial avanza a pasos agigantados donde los robots en todas las industrias son palpables. ¿Acaso ya no vivimos de cierta forma tan lejos tan cerca con Facebook, Twiter, comunicándonos a distancias no cara a cara aunque estemos en la misma ciudad con las otras personas?, ¿ Somos ya titiriteros donde movemos emociones y manipulamos con un solo clic a las personas?. Esta es la cuestión donde pone las alarmas la cinta, quizás los más loable, ante lo predecible del guión pero que al menos entretiene su propuesta y tiene una apertura notable con imágenes semi-documentales extraídas de noticieros creados donde la vida artificial se hacia más patente en los últimos años.
Bruce Willis encarna a Tom Greer, un atormentado agente del FBI que perdió a un hijo. Situado en el futuro cercano situado cuando más del 98 por ciento de la población se queda en casa mientras que sus sustitutos robóticos o replicantes, que son más jóvenes y encargados por catálogo. Las empresas a cargo de construir estos robots abastecen al ejército de soldados del futuro y tienen una contraparte con una tribu que lucha contra los sustitutos, conduciendo a una carrera contra el tiempo para salvar a la raza humana. Extraños asesinatos de replicantes y sus dueños al parecer tienen una conexión y ponen en jaque a la escasa humanidad que queda en las calles. Los autores del guión son John Brancato y Michael Ferris que crearon el documento a partir de la novela gráfica de Robert Venditti y Brett Weldele. El director de la cinta es Jonathan Mostow(Terminador 3). Capítulo aparte para el protagonista Willis, lejos lo mejor del film nuevamente. Apocalíptico relato que ya pueden ver en los cines locales.

Paranormal Activity

“Actividad paranormal” "Esta es la película más rentable de toda la historia del cine. Narrada en forma documental dos novios sufren de una extraña presencia demoníaca dentro de su casa y al que quieren capturar con una cámara HD."

Sentarse a ver una película de terror no es un tema fácil menos si esta mostrada como un documental donde lo registrado asemeja hechos reales, como es el caso. Así es el antecedente de “Actividad Paranormal”, uno de los sucesos mundiales en el cine puesto que costo 11 mil dólares y pasó tranquilamente los cien millones de dólares en ganancias. En innumerable ocasiones hemos visto en el cine de terror se nutre de presencias demoníacas en personas o casas embrujadas que tienen espítirus que vagan por los pasillos y habitaciones. Ejemplos como “Terror en Amityville”, el mismo “El Exorcista” donde todo comienza y termina en una habitación. Precisamente en ese templo del descanso es donde esta cinta hace de las suyas. Una pareja instala una cámara de video en el dormitorio para averiguar qué ocurre durante las noches y las imágenes registradas muestran que algo raro, tenebroso y peligroso los acecha. Son varias semanas de filmación y cada noche aumentan los parpadeos de luces, cortinas ondeantes, portazos, gemidos y respiraciones al oído. Tal como en la comedia “Los cazafantasmas”, en vez de los láser, esta pareja tratará de capturar al “ente” en la cámara para grabarlo y estudiarlo, a ver si se comunica, pero todo podría ir mal si no tiene un manejo adecuado. La tensión aumenta paulatinamente, a fuego lento y todo parece indicar que no acabará bien.Es un film rodado con un equipo de vídeo HD, por el mismo actor que vive sus propio docu-reallity de horror, tiene una escasez de efectos especiales pero si una envidiable economía de medios, ejemplo de cómo hacer correcto cine sin muchos alardes efectistas, ni estrellas. Igual introduce al espectador a una pesadilla que nadie querría en su hogar. Destaca la excelente labor de los actores, especialmente Katie Featherston, gran parte responsable de que la historia funcione, entrega mucha credibilidad y naturalidad en su cometido. Estamos ante una correcta película de terror que estará en los anales del cine y del género de terror quiéranlo o no, debido a su relación costo beneficio. Finalmente otra convicción que aporta al género es que no es necesario tener un espectacular reparto, si, una mente hábil y buenos instrumentos (actores) y un importante fantasma para lograr el objetivo de asustar. Cinta ideal para ver antes de dormir, si es que puede posteriormente

Rogue: la bestia

Dinosaurios, tiburones, anacondas, orcas asesinas son algunas de las bestias que han aparecido para meter susto en la pantalla agrupadas en este subgénero que esta en retirada pero que de vez en cuando sorprende con alguna apuesta. “El territorio de la bestia” o “Rogue”, es una cinta australiana del autor que hizo anteriormente la correcta “Wolf Creek” en su país. En ella muestra las virtudes de este tipo de cine no han muerto, las fascinación casi infantil que asiste al verla habla que algo por momentos se hizo bien aquí. Un buen número de actores que simulan un reallity suben a un robusto bote con el objeto de adentrarse en las aguas en un arriesgado tour donde se pueden avistar a los siempre temibles cocodrilos. El problema es que uno de ellos es enorme y cuidará su territorio a cualquier precio. El terror se apodera ante la embestida de la bestia que tritura todo por su paso. Greg Malean sabe transmitir tensión, abundan primeros planos en los rostros aterrados de los actores y lo turbio del agua hace que sea de total incertidumbre de donde proviene el ataque de turno. Una dosis exacta de terror y supervivencia se muestra por bastantes momentos haciendo palidecer a Anaconda y otras de regular cometido. Los australianos Radha Mitchell, Sam Worthington que hoy lo podemos ver en Avatar junto al frtances eMichael Vartan dan vida a los principales personajes expuesto a los temibles peligros en una isla donde el agua sube por las noches, varados allí todo es posible. La cinta entretiene más de los esperado al haber tantas parecidas, solamente que no todo termina como podría haber esperado al espectador, pero algo de merito tiene si una la termina y con un poco de angustia para que esta bestia al menos no te coma el pop corn.